Reimaginado a Shakespeare. "César debe morir."

Es inevitable reconocer a Shakespeare como quizás no sólo el genio literario inglés más conocido y alabado sino como el más adaptado en infinidad de soportes. El medio cinematográfico también ha utilizado, desde sus comienzos no sonoros, sus obras como simiente para cintas de manera más o menos explícita (véase la injustamente alabada, sin dejar de ser medianamente rescatable, pese a  traicionar al autor, "Shakespeare in love"). Desde adaptaciones fieles hasta interpretaciones de la vida del autor pasando por infinidad de referentes a su obra. Pero quizás, el fenómeno más interesante sean las adaptaciones "libres" de sus trabajos capaces de producir auténticos milagros o decepciones inertes.Es necesario cuestionarse el motivo de una adaptación y su fin. ¿Permitir que los espectadores aprecien en sus butacas la obra en cuestión como si se tratara de un teatro o experimentar con las formas hasta que la barrera de la autoría sea indiscernible? Es manifiesto que siempre hay términos medios y que de ambas concepciones se pude sacar oro puro. En el caso de William parece que hay una mayor facilidad y estase debe quizás a la intemporalidad y universalidad de su vérsatil obra que permite una infinidad de acercamientos posibles, siendo entre otros muchos otros, una de sus cualidades más destacadas. O quizás simplemente sea un acercamiento suicida a comprender la vida de un completo desconocido cuyo legado es indiscutible. 

El expresionista Rey Lear redescubierto por el gigante Kurosawa. 

 Por supuesto uno de sus grandes promotores fue el rupturista y teatral Orson Welles que desde bien joven ideó una recopilación de obras que relataban la vida de numerosos reyes ingleses que Sheakspeare plasmó sobre el tablón de manera modélica, obra que culminaría en su vejez sin apenas presupuesto en nuestras tierras en la memorable "Falstaff o campanadas a medianoche", si bien no es ésta su única adaptación al 7º arte si es la más inventiva. También el genio japonés Akira Kurosawa con su "Ran" firmaría una versión de "El rey Lear" bajo el trasfondo del japón feudal. Curioso, el caso de Kurosawa solo comprendido en el sector más entendido mientras que por la mayoría sería repudiado, en occidente por su carácter oriental y en su continente por sus numerosas inspiraciones occidentales. De hecho esta "Kagemusha" -su pelicula anterior- fue financiada por grandes directores -y admiradores- entre ellos George Lucas.

Flastaff, aquel pícaro que durante el reinado de varios reyes recibió lo que gestó.
Pero, ¿Qué gestó?

 Se puede mencionar a "West Side Story" como una libérrima adaptación de "Romeo y Julieta" que pese a ser una merecida leyenda del cine no me consigue evocar con sus números la mitad de romance o tragedia  que el autor original con su texto. Si damos un salto temporal hasta las dos últimas décadas (necesario pues la lista es interminable) nos encontramos alguna de las adaptaciones más disparatadas. El "Romeo+Julieta" de Luhrmann, director con una incomprensible manía de convertir literatura, edificios parisinos o pasajes históricos en un estridente -modernidad mal entendida- y ruidoso anuncio quizás, en el fondo y disculpen la ordinariez, diste de los lujosos spots de  perfumes y sea más cercano a los coloridos, edulcorados  y rídiculos de preservativos. 

Quizás, junto a Oilivier sea Kenneth Branagh el que más fielmente ha seguido los pasos establecidos en numerosas y variadas adaptaciones, por mencionar a dos grandes. También Al Pacino auténtico fanático del inglés, no son pocas las obras que ha protagonizado o dirigido del mismo, nos trajó "Looking for Richard" y tiene pendiente de estreno otra cinta estrictamente reducida a su relación con las obras de éste. En los últimos años cabe mencionar "Coriolanus" -adaptando obra del mismo nombre- en esta ópera prima del gran Ralph Fiennes se extrapolaba la acción a la Roma actual. Pese a que el reparto ( Fiennes, Cox, Redgrave, Chastain) era y estaba (incluyendo un Gerard Butler sorprendente) fascinante faltaba contundencia en la plasmación del relato. A la postre ineficaz como adaptación verosímil. No obstante reivindicable. Más esotérico ha sido el enfoque de Julie Taymor en varias cintas, todas arduamente criticadas.

El "Coriolano" de Fiennes rebosa fuerza en los textos, aún no siendo memorable le da un buen repaso a numerosas cintas bélicas actuales.

Finalmente, entre las futuras adaptaciones cabe destacar la cinta independiente rodada en poco más de una semana que Josh Whedon junto con su compañero de batallas intergalacticas, Nathan Fillion (de los que hemos hablado en un par de entradas) han realizado de "Mucho ruido y pocas nueces". Pese a ser una de las obras más adaptadas, la agilidad y gusto por sus personajes de Whedon -parece que la financiación la ha conseguido por su gran éxito en la tan solo muy entretenida "Los vengadores"-  la hacen una opción a seguir. Es curioso que el planteamiento la traslade a la actualidad donde el blanco y negro se aúna con un envoltorio bastante elegante de lo que parece una reunión de amigos grabando su amor al teatro. Se llama " Much ado about  nothing", apuntadla.

Con "César debe morir" los hermanos Taviani, que en su carrera destaca la vigorosa -deudora del neorrealismo italiano- "Padre padrone" se atreven a adaptar al genio inglés en una adaptación completamente atípica. Este "Julio César" nos traslada a una prisión de alta seguridad en Italia, allí un grupo de presos deciden formar parte del habitual grupo de teatro de la cárcel. Sin ánimo de describir, algo que se agradece, la vida de los reos comitentes de delitos muy severos la cinta pronto se instaura en el mundo teatral. Fascinante resulta el hecho de que dichos presos lo sean realmente y es fácil constatarse de que en gran medida  son los personajes de Sheakspeare los que de mejor manera los describen. No obstante, son mediante mínimos apuntes cómo percibimos la paulatina correlación entre la obra y los reclusos. Por ejemplo: La primera escena del filme se remite al final de la obra donde Bruto tras errar su empresa opta por aceptar el castigo divino e implora para morir. Luego es recordado como un hombre bueno. Es obvio, que los Taviani asocian la carga de la culpa de Bruto con la de los interpretes de la obra. El color se esfuma y nos retrotraemos al principio del curso, el actual luto de los reclusos se exterioriza en blanco y negro (la vida sólo tiene color tras comprender la magnificencia del arte, invadiendo en última instancia de tragedia a un recluso quedando invadido por su pena  cual personaje sheakspeariano). De tan hermosa manera los creadores manifiestan, con no cierto pesar, la irrencociliabilidad de estos sujetos, no obstante, en última instancia sí se abre un hálito optimista que confiere a esa libertad humana (más allá de cercos físicos) de la obra cierta equivalencia plausible reforzando el carácter social -habitual en el sello Taviani- de la película.

Julio César a punto de recibir 12 puñaladas.
El gusto por el encuadre permitir recrear la teatralidad de la obra sin que lo apreciemos.

Formalmente, nos sorprende la riqueza en detalles de los encuadres haciendo casi palpables los sesgos de los intérpretes que vagan por la pantalla. El gusto por el plano fijo, incluso ante unas multitudes que se asombran al descubrir la cámara, o la riqueza del color que propone la escenificación de la obra tan marcada como efectiva. No es extraño ser capaces de identificar esas decadentes instalaciones o vacías celdas con el ánima de la Roma del literato. La sencilla composición musical, de marcados tintes melancólicos pese a su aislado uso denota gran gusto. Sorprendente es el metraje final inferior a la hora y media habitual, parece que la proposición no es trivial, la obra sólo se interpreta -con una conseguida continuidad, eso sí- de manera parcial y como hemos mentado para resultar realmente verista los encarcelados apenas aluden a su modus vivandi dejando que el texto teatral les infunda vida. El resultado quizás supone que en ninguno de los dos apartados resulte completamente redonda. El conjunto se resuelve de manera amena, fresca y rica en detalles, la cinta resulta una modélica reinvención de las adaptaciones teatrales de Sheakspeare, lo cual es ya un género ensimismo dentro del celuloide. Es cierto, que se le puede objetar una visión más amplia pero perdería gran parte de su frescura. La obra elegida también resulta enriquecedora  si se extrapola a niveles políticos, resulta paradójica la concepción dramática del poder -incluyendo corruptelas,enfrentamientos, traiciones y conjuras-  pero sin obviar el honor o los ideales más clásicos hombre. ¿Dónde están esos principios en la ingobernable Italia o nuestra España hoy día?

Los inusuales espacios son logran  hacernos confundir épocas.

Finalmente, la interpretación de los reclusos es quizás el gran milagro de la película. Todos deslumbran en cada secuencia cargándola de matices, presencia, y sobretodo, mucha raza. Casio, César, Bruto y compañía se quedarán imantados en vuestras retinas bastante tiempo, dado que seguramente la experiencia de estos hombres en una escuela mucho más ardua que la de interpretación  se ha convertido en el subterfugio perfecto para transmitir cualquier clase de sentimiento, como muy pocos maestros consiguen. No es de extrañar que Mateo Garrone, cuyo retrato en "Gomorra" desde el prisma de las grandes víctimas de la mafia napolitana  me atrapó irremediablemente pese a su lánguido ritmo,  para su "Reality" consiguiera que otro preso -si no me equívoco de la misma prisión o del mismo movimiento teatral- Aniello Arena, obtuviera un permiso para rodar pese a su cadena perpetua.

Una memorable lección de interpretación.

Hace poco menos de un año que "César debe morir" se presento en numerosos festivales arrasando en su propio país. Con esta obra cargada de una inusitada modernidad se firma una  rotunda lección de teatro y cine que ningún amante debería omitir. Y si miramos la lista superior -sobretodo la última etapa- no hay duda posible, los Taviani tienen a su César entra las destacables.