Reimaginado a Shakespeare. "César debe morir."

Es inevitable reconocer a Shakespeare como quizás no sólo el genio literario inglés más conocido y alabado sino como el más adaptado en infinidad de soportes. El medio cinematográfico también ha utilizado, desde sus comienzos no sonoros, sus obras como simiente para cintas de manera más o menos explícita (véase la injustamente alabada, sin dejar de ser medianamente rescatable, pese a  traicionar al autor, "Shakespeare in love"). Desde adaptaciones fieles hasta interpretaciones de la vida del autor pasando por infinidad de referentes a su obra. Pero quizás, el fenómeno más interesante sean las adaptaciones "libres" de sus trabajos capaces de producir auténticos milagros o decepciones inertes.Es necesario cuestionarse el motivo de una adaptación y su fin. ¿Permitir que los espectadores aprecien en sus butacas la obra en cuestión como si se tratara de un teatro o experimentar con las formas hasta que la barrera de la autoría sea indiscernible? Es manifiesto que siempre hay términos medios y que de ambas concepciones se pude sacar oro puro. En el caso de William parece que hay una mayor facilidad y estase debe quizás a la intemporalidad y universalidad de su vérsatil obra que permite una infinidad de acercamientos posibles, siendo entre otros muchos otros, una de sus cualidades más destacadas. O quizás simplemente sea un acercamiento suicida a comprender la vida de un completo desconocido cuyo legado es indiscutible. 

El expresionista Rey Lear redescubierto por el gigante Kurosawa. 

"Tesis sobre un homicidio" y "Les Misèrables"

Es curioso, como ambas películas que vamos a tratar incurren  por lo general en los mismos fallos: la desacertada dirección, un flojo sentido rítmico y la innecesaria sobreexplicación, de manera oral, de elementos mostrados en el plano visual, recalcando lo obvio. También es necesario expresar que ninguna de las dos cintas consigue explorar nuevos recorridos ni llevarlo a cabo de manera solvente. Mientras que lo coproducción Argentino-española se estrena hoy mismo, la adaptación de Victor Hugo está más cercana a su venta en formato físico. Por lo expresado, sólo queda intentar averiguar si merecen realmente un visionado o por el contrario es más recomendable huir despavoridos de ellas.

Un antiguo abogado ejerce en el cuerpo docente de la Facultad de Derecho (Ricardo Darín). Con el inicio de un nuevo y   prestigioso máster se reencontrará con el hijo de un amigo que tiene intención de cursarlo (Alberto Amman). Pronto, el profesor se cerciora de la amoral y cruenta psique del alumno. Poco después, a pocos pasos de la misma clase donde ese máster se imparte aparecerá el cuerpo de una joven brutalmente asesinada. Es entonces cuando la mirada incriminatoria del profesor recae en el alumno que, a su vez, le suscita una desmedida fascinación.

 El siempre mágentico Darín  está listo para aburrirnos un rato.

 Resulta sorprendente ver detrás de esta fascinante pero poco original premisa los mismos productores de la sublime "El secreto de sus ojos" que  la cinta  ve como gran reclamo publicitario junto a la estrella argentina que es Ricardo Darín, ganada a pulso en su madurez con una cantidad innumerable de trabajos redondos, donde quizás brillen más sus colaborciones con Campanella, "Nueve reinas" o "Kamchatka". Además se trata de la adaptación de una novela de Diego Paszkowski. Pero hay un gran error, su dirección, el prácticamente desconocido Hernán Golfrid, cuyo trabajo se limitaba a un largometraje cómico.

Puesto que desde el comienzo la cinta muestra siempre la visión desde el profesor, en una narración subjetiva que  son pocas y muy érroneas las veces que se incumple, el peso interpretativo cae sobre Darín. Es más al igual que la holgadamente superior "Un cuento chino" la película es completamente Daríncentrica, parece tallada a la medida y gusto del actor. Nunca consideraré un problema otorgar el peso de la cinta a alguien con el carisma y los rasgos de Ricardo siempre que se nos cuente algo interesante. No es el caso. Darín bebe whisky. Darín fuma mucho. Darín medita. Darín, atención, boxea. Darín "frunje" todo lo que puede. Darín esta conflictuado. Darín se ducha. Darín  es el amo y señor de la enseñanza... Retrasando el ritmo que languidece, progresivamente, llegando a un final vergonzoso acompañado del tedio acumulado.

Buscando oro en la basura: "Mentiras e ilusiones".

Queridos lectores, esta semana os presento una nueva sección del blog, y ya van unas cuantas. A partir de ahora y con cierta periodicidad me sumergiré en el peor cine posible. Sin más. Mi misión no será otra que buscar entre las peores películas jamás hechas con una sola meta, ver si éstas consiguen, siempre de manera involuntaria  hacernos reír un buen rato. El cine cutre ya es un arte en sí mismo, no son pocos los videoclubs de barrio que amueblan sus estantes con infinitas películas de las que no teníamos ni la más remota idea de su existencia. Detrás de ellas, oportunistas productoras se agarran a tendencias explotadas para intentar colarnos sus productos. Y muchos incautos caemos. Ya avanzo que no es mi intención hacer un riguroso análisis de dichas películas, sino más bien un vehículo para la mofa de los elementos más sonrojantes de éstas, vislumbrando eso sí que motivos la llevaron a su existencia y si merece la pena echarle un vistazo en compañía de amigos y buena cerveza. Vamos, que me sacrifico por la causa.

En este iniciático artículo empezamos con "Mentiras e Ilusiones", dirigida en 2009 por Tibor Takács y producido por la cutrérrima NU IMAGE. El objeto comercial de la película son sus dos actores principales, los muy conocidos Christian Slater y Cuba Gooding Jr. ¿Lo habéis adivinado ya? Exacto, esta es la típica película de otroras estrellas intentando pagar las facturas de la luz de sus respectivas mansiones a base de hacer lo primero que les surja. O eso o sus agentes tienen el "descaro" de buscarle los peores papeles posibles, pero el máximo en número, para cobrar a saber que tipo de chanchullos. Hay dos casos más iconicos, y recientes, del movimiento de "estrellas caídas" como son Ray Liotta y el siempre marciano Nicolas Cage, éste último merece un estudio individual. Uno de los aspectos más ridículamente embusteros de la película es su cartel original, mucho ceño fruncido, cabezas flotantes y alguna explosión, dando a entender que la película es un thriller serio. Ilusos. Nada más comenzar la película unos títulos de créditos que mezclan desde Saul Bass, el clásico 007 hasta la televisiva "Bored to Death" nos sorprenden no por su falta de originalidad sino por su aspecto de: "Me salté la primera clase de diseño de títulos de crédito, sí esa donde te enseñaban que es lo que no hay que hacer nunca". Mientras en el cartel la seriegráfia recordaba a seriales del tipo "Ley y Orden" o "Mad Men", en los títulos de crédito no, que va, en estos aparece como una comedia romántica de carácter novelesco. El horror.

"Moonrise Kingdom" Querida Suzy ¿Cuándo?¿Dónde?

Un ligero tavelling sigue los pasos de un pequeño infante cuya meta es dotar de vida a su tocadiscos azul, gradualmente éste se convierte en un plano secuencia donde se nos descubre paulatinamente su hogar conociendo pronto la atípica rutina de la familia, entre ellos destaca Suzy. Mientras escucha unas variaciones de Henry Purcell por Benjamin Britten cautelosa sale de la casa para leer una carta, nos mira sorprendida y empieza la aventura.

 Wes Anderson siempre consigue imprimir en sus cintas un aspecto genuino consiguiendo ser fácilmente reconocible en cualquiera de sus planos.  El sentido estético se traslada a esta cinta de vocación sesentera ambientada en una aparentemente idílica ínsula en Estados Unidos. No son pocos los que tras oír títulos como "Academia Rushmore", "Life Aquatic" o "Viaje a Darjeeling" esputan todo tipo de maldiciones a las cintas y por ende a sus autores, y es que Anderson suele provocar muy contrastadas opiniones desde genio moderno a pedante, pretencioso o vacuo.

Fue en el año 2009 cuando el director sorprendió a un buen número de espectadores con  "El fantástico Sr.Fox", la cinta rodada en stop-motion bajo la colaboración de la compañía Aardman y guionizada junto a uno de sus habituales, el también director, Noah Baumbach destacando por tener un trazado argumental bastante más cohesionado que en sus primeras obras. Puede que sea cierto lo que en la imprescindible Aardman se critica, es decir, la supuesta negación del director a visitar sus estudios y la realización de su trabajo de manera meramente telemática pero es indudable el parecido con la obra anterior del autor. La cinta que hoy nos ocupa  sirve para corroborar esa madurez de Anderson, más preocupado ahora por complementar sus señas con argumentos mejor trabajados sin obviar ciertos toques estéticos para armar las historias con humor, desesperanza, nostalgia, surrealismo y a la vez humanidad. Todo sabiamente mezclado pero no agitado.

En el cento Norton se las apaña para dirigir un campamento para jóvenes scouts
algo me dice que no le saldrá bien.

Diez clásicos musicales en el celuloide II: Michael Nyman.

Ha pasado un largo tiempo desde que escribiera sobre las composiciones de Ennio Morricone en esta serie de artículos sobre la música en el cine. Es indudable que desde el primer momento que lo publiqué tenía en mente el próximo artista, Michael Nyman.

La carrera y el estilo de éste mucho difieren de Morricone, Nyman no se considera así mismo sólo un compositor de bandas sonoras. Es lógico su razonamiento cuando nos cercioramos que tras comenzar en la crítica musical, fundó un grupo de Jazz, con el que sigue tocando, hastiado por el pop de los sesenta y setenta. Además Michael Nyman  compone óperas y realiza discos completamente distintos de lo que vemos en la pantalla grande.

No son pocos los que desprecian el estilo de Nyman, sus trabajos han sido definidos paradójicamente de minimalistas. Rareza producida por dicho término dado a que su inclusión el mundo musical fue de cosecha del propio Nyman, de hecho, le dio fama como crítico musical permitiendole fundar la Michael Nyman Band.

La banda sonora de "El Piano" la más reconocida de Michael Nyman.

Nyman es un compositor influenciado por la música del barroco, tal y como aprendió en el King´s College pero la adición de dicho minimalismo lo convierte en un compositor rupturista cuanto menos. Su obra no sólo ha influenciado ha muchos autores recientes sino que ha sido reutilizada para numerosos programas de televisión y alguna cinta.

La dura autodisciplina de Vincent (Ethan Hawke)
 no sería lo mismo sin la música del inglés en "Gattaca".

Al contrario que en el anterior artículo musical  no busco la selección de diez temas de películas distintas sino los diez temas a mí parecer más representativos del autor, por tanto, se repetirá alguna película. Tampoco pretendo analizar  todas las influencias que ha tenido el autor a la hora de componer. Para presentar su música la vamos a dividir de manera muy lógica: Sus trabajos con Peter Greenaway, cuya relación se ha visto plasmada en más de diez películas, y sus éxitos más conocidos y laureados en el panorama internacional.